Description
Lorsque les organisateurs du Festival de Frue ont demandé à Sam Wilkes de constituer un ensemble pour leur festival de 2022, ils ont d’abord sollicité le groupe qu’il avait créé pour son album de 2021 « One Theme & Subsequent Improvisation ». Le claviériste Chris Fishman (Pat Metheny, Louis Cole) étant le seul membre de ce groupe à être disponible, Wilkes a demandé aux organisateurs de choisir l’un des deux groupes suivants : un trio composé du batteur Craig Weinrib (Henry Threadgill, Amen Dunes) et du guitariste Dylan Day (Jenny Lewis, Jackson Browne) – avec lequel Wilkes a récemment sorti un album en trio – ou un quatuor composé de Weinrib, Fishman et du claviériste et guitariste Thom Gill (KNOWER, Joseph Shabason). « Je n’arrivais pas à décider quel groupe je devais emmener, je me sentais très confus à ce sujet », dit-il. Par une étrange série d’erreurs de communication – ou simplement par sérendipité – Wilkes et les organisateurs de Frue pensaient que l’autre avait suggéré de combiner les ensembles en un quintet comprenant des membres des deux groupes. Une idée qu’aucune des parties n’a exprimée s’est imposée comme une évidence.
Le quintette combiné représente ce que Wilkes appelle « deux mondes disparates dans ma communauté », celui de la « grille virtuose et rapide » de la musique jouée avec Fishman et Gill, « et cette autre chose avec Dylan qui vient de différents éléments de la musique américaine traditionnelle ». Heureusement, Weinrib s’intègre parfaitement dans ces deux mondes. Bien que tous les membres du groupe aient joué sur l’album Driving (2023) de Wilkes, ils n’avaient jamais joué ensemble. Ils ont eu une répétition de cinq heures à Tokyo, mais, dit Wilkes, « il m’était impossible de prédire comment cette musique allait sonner ». Sa stratégie, après leur avoir montré les arrangements de plusieurs de ses propres compositions et de quelques reprises, a été de « permettre à chacun de s’épanouir pleinement » en espérant que « ce que j’obtiendrai, c’est que la personnalité de chacun s’exprime sans entrave ».
iiyo iiyo iiyo est le cinquième album de Sam Wilkes en tant que chef d’orchestre et arrangeur, et l’atmosphère qui s’en dégage est si riche qu’elle déborde des enceintes. L’album, qui témoigne de la rencontre du quintette, a été enregistré en direct au Festival de Frue à Kakegawa et au WWWX à Tokyo, où ils ont joué en tête d’affiche devant des centaines de personnes. Ce n’est pas ce que l’on pourrait croire au vu de l’interaction intime entre les musiciens ou de l’impression de petit espace qui se dégage de l’enregistrement. Dans le morceau d’ouverture « Descending », qui a fait ses débuts sur l’album éponyme de Wilkes en 2018, l’ambiance est si chaleureuse qu’on jurerait que le son des enfants jouant à l’arrière de la salle a été échantillonné – un autre exemple parfait de sérendipité.
Pour Wilkes, il est primordial de donner le bon ton à un concert ou à un enregistrement, et c’est indissociable de la façon dont il conçoit son rôle de bassiste. « C’est par l’accompagnement que j’ai commencé à comprendre ce qui me tenait le plus à cœur dans la musique, en me concentrant sur le temps, la sensation, le ton, la forme et, surtout, l’écoute », explique-t-il. « Il y a des choses ineffables à ce sujet, comme l’énergie. Mais il y a aussi des décisions conscientes et inconscientes, où j’arrange et j’orchestre pour créer l’environnement idéal pour que, par exemple, Dylan puisse jouer sa mélodie ou Thom la sienne. Il s’agit autant de choix que de réactions, combinant à parts égales une préparation approfondie et une improvisation totale »
Le titre iiyo iiyo iiyo est une expression japonaise utilisée en réponse à un flot de gratitude, une manière insolente de se débarrasser des accolades. Le disque est donc empreint d’une personnalité charmante et chaleureuse. Dans une magnifique version du standard « I Wanna Be Loved », Day joue la mélodie d’une manière qui oscille entre une gaze ambiante délavée et une série de lignes d’une beauté traditionnelle qui fait écho à l’original de Dinah Washington. Tandis que le groupe fait circuler la mélodie mantrique de « Descending », Fishman fait des points autour d’elle sur son Moog One, ouvrant un nouveau filon dans une chanson qui est rapidement devenue un standard de Wilkes. Les coups de pinceau patients et impressionnistes de Weinrib semblent tourbillonner sous la mélodie, tandis que Gill embrume la pièce avec un accompagnement épais et lourd de réverbération sur ses touches.
Et où est Wilkes dans tout cela ? Il guide ses amis, les aidant à décorer une pièce qu’il a lui-même construite, les entraînant plus profondément dans l’atmosphère nostalgique, pleine d’espoir et ancrée de la chanson. Ses voicings polyphoniques – une signature de son jeu – définissent les limites de la chanson et servent à la fois de point d’ancrage musical et émotionnel.
C’est l’approche que Wilkes adopte tout au long de l’album, utilisant son phrasé à la fois comme centre gravitationnel et comme cœur de la musique, et il le fait à la perfection dans les premières minutes de « Girl ». La chanson est apparue à l’origine sur Sam Wilkes « Sings » (2014-2016) dans ce qu’il appelle un « arrangement psychotiquement différent ». Sur la scène de Kakegawa, il ralentit la chanson et isole ses accords centraux. Il les joue doucement, patiemment ; il les exprime avec la clarté d’une personne qui vient de crier toute sa confusion. Comme le dit Wilkes, son rôle de bassiste signifie qu’il est le fondement de ces chansons, et les fondements, de par leur nature même, ont tendance à être obscurcis. Ici, pendant un moment charmant, il met tout à nu, révélant l’architecture luxuriante qui maintient cette musique miraculeuse ensemble.
-Sadie Sartini Garner
